Музыкальное искусство эпохи Ренессанса
Еще на рубеже XIII -XIV веков в Париже был опубликован трактат «Музыка» магистра музыки Иоанна де Грохео, в котором он подвергает критическому пересмотру средневековые представления о музыке. Он писал: «Те, кто склонен рассказывать сказки, говорили, что музыку изобрели музы, около воды обитавшие. Другие говорили, что она изобретена святыми и пророками. Но Боэций, человек значительный и знатный, придерживается других взглядов... Он в своей книге говорит, что начало музыки открыл Пифагор. Люди как бы с самого начала пели, так как музыка им от природы врождена, как утверждают Платон и Боэций, но основы пения и музыки были неизвестны до времени Пифагора...»
Музыка, как и
поэзия, и живопись, обретает новые качества лишь в XV и в особенности в XVI веке, что сопровождается появлением все новых трактатов о музыке.
Глареан (Генрих Лорис из Гларуса, 1488-1563),
автор сочинения о музыке «Двенадцатиструнник» (1547), родился в Швейцарии, учился в Кельнском университете на артистическом факультете. Магистр свободных искусств занимается в Базеле преподаванием поэзии, музыки, математики, греческого и латинского языков, что говорит о насущных интересах эпохи. Здесь он подружился с Эразмом Роттердамским.

К музыке, в частности, церковной, Глареан подходит, как художники, которые продолжали писать картины и фрески в церквях, то есть музыка, как и живопись, должна, вне религиозной дидактики и рефлексии, доставлять прежде всего удовольствие, быть «матерью наслаждения».
Глареан обосновывает преимущества монодической музыки против многоголосия, при этом он говорит о двух типах музыкантов: фонасках и симфонистах: первые имеют природную склонность к сочинению мелодии, вторые - к разработке мелодии на два, три и более голосов.
Глареан, кроме разработки теории музыки, рассматривает и историю музыки, ее развитие, как у него выходит, в рамках эпохи Возрождения, совершенно игнорируя музыку средневековья. Он обосновывает идею единства музыки и поэзии, инструментального исполнения и текста. В развитии теории музыки Глареан узаконил, с употреблением двенадцати тонов, эолийский и ионийский лады, тем самым теоретически обосновал понятия мажора и минора.
Глареан не ограничивается разработкой теории музыки, а рассматривает творчество современных композиторов Жоскина Депре, Обрехта, Пьера де ла Рю. О Жоскине Депре он рассказывает с любовью и восторгом, как Вазари о Микеланджело.
Джозеффо Царлино (1517 - 1590), с высказыванием которого мы уже знакомы, 20 лет вступил в францисканский орден в Венеции с ее музыкальными концертами и расцветом живописи, что и пробудило его призвание музыканта, композитора и теоретика музыки. В 1565 году он возглавляет капеллу св. Марка. Считают, в сочинении «Установления гармонии» Царлино в классической форме выразил основные принципы музыкальной эстетики Ренессанса.

Царлино, который говорил о упадке музыки, разумеется, в Средние века, опирается на античную эстетику в разработке его учения о природе музыкальной гармонии. «Насколько музыка была прославлена и почиталась священной, ясно свидетельствуют писания философов и в особенности пифагорейцев, так как они полагали, что мир создан по музыкальным законам, что движение сфер - причина гармонии и что наша душа построена по тем же законам, пробуждается от песен и звуков, и они как бы оказывают животворящее действие на ее свойства».
Царлино склонен считать музыку главной среди свободных искусств, как возносил живопись Леонардо да Винчи. Но это увлечение отдельными видами искусства не должно нас смущать, ведь речь-то ведут о гармонии как о всеобъемлющей эстетической категории.
Джозеффо Царлино, как и Тициан, с которым он был связан, обрел широкую известность, был избран членом Венецианской Академии славы. Эстетика прояснивает положение вещей в музыке в эпоху Возрождения. Основателем венецианской школы музыки был Адриан Вилларт (между 1480/90 - 1568), нидерландец по происхождению. У него-то музыке учился Царлино. Венецианская музыка, как и живопись, отличалась пышностью звуковой палитры, что вскоре обрело черты барокко.
Кроме венецианской школы, наиболее крупными и влиятельными были римская и флорентийская. Содружество поэтов, ученых-гуманистов, музыкантов и любителей музыки во Флоренции называют Камератой. Ее возглавлял Винченцо Галилеи (1533 - 1591). Помышляя о единстве музыки и поэзии, да заодно с театром, с действием на сцене, члены Камераты создали новый жанр - оперу.
Первыми операми считают «Дафну» Я.Пери (1597) и «Эвридику» на тексты Ринуччини (1600). Здесь был совершен переход от полифонического стиля к гомофонному. Здесь же впервые прозвучали оратория и кантата.
Музыка Нидерландов XV - XVI веков богата именами великих композиторов, среди них Жоскин Депре (1440 - 1524), о котором писал Царлино и который служил при французском дворе, где сложилась франко-фламандская школа. Считают, высшим достижением нидерландских музыкантов стала хоровая месса a capella, соответствующая устремленности ввысь готических соборов.

В Германии получает развитие органное искусство. Во Франции при дворе создавали капеллы, устраивались музыкальные празднества. В 1581 году Генрих III утвердил должность «главного интенданта музыки» при дворе. Первым «главным интедантом музыки» был итальянский скрипач Бальтазарини де Бельджозо, который поставил «комедийный балет королевы», спектакль, в котором впервые музыка и танец даны как сценическое действие. Так возник придворный балет.
Клеман Жанекен (около 1475 - около 1560), выдающийся композитор французского Возрождения, является одним из создателей жанра многоголосной песни. Это 4-5-голосные произведения, как бы песни-фантазии. Светская многоголосная песня - шансон - получила распространение и за пределами Франции.
В эпоху Возрождения широкое развитие получает инструментальная музыка. В числе основных музыкальных инструментов называют лютню, арфу, флейту, гобой, трубу, органы различного типа (позитивы, портативы), разновидности клавесина; скрипка была народным инструментом, но с разработкой новых струнных смычковых инструментов типа виолы именно скрипка становится одним из ведущих музыкальных инструментов.
Лютня - самый распространенный, излюбленный музыкальный инструмент во многих западноевропейских странах эпохи Возрождения. Ее знают едва ли не во всех общественных кругах. На ней играют при королевских, княжеских и герцогских дворах музыканты-виртуозы и знатные любители искусства, она постоянно звучит в кружках гуманистов, во всевозможных "академиях" XVI века, в домашнем быту горожан, на открытом воздухе, в различных ансамблях, включая театральные.
На протяжении XVI века выдвинулись блистательные творческие фигуры композиторов-лютнистов в целом ряде европейских стран. Крупнейшими из них являлись: Франческо Канова да Милано (1497-1543) и Винченцо Галилей (ок. 1520-1591) в Италии, Луис де Милан (ок. 1500 - после 1560) и Мигель де Фуэнльяна (после 1500 - ок. 1579) в Испании, Ханс (ум. в 1556 году) и Мельхиор (1507-1590) Нойзидлеры в Германии, Джон Дауленд (1562-1626) в Англии, венгр по происхождению Валентин Грефф Бакфарк (1507-1576), Войцех Длугорай (ок. 1550 - после 1619) и Якуб Рейс в Польше. Во Франции наиболее крупные композиторы-лютнисты появились уже в XVII веке. И хотя кроме названных мастеров высокого класса повсюду действовали еще многие выдающиеся лютнисты или виуэлисты (особенно богата была ими Испания), все-таки огромное количество произведений для лютни распространялось тогда в Европе без имени авторов. Эта анонимная бытовая музыка словно принадлежала всем: страны как бы обменивались своим репертуаром, в итальянских сборниках появлялись немецкие танцы, в немецких - итальянские, польские, французские. Обозначения пьес были весьма лаконичны: "Превосходное пассамеццо", "Хорошая вещь", "Французская коррента", "Итальянская", "Венецианская" и т. п.
Во втором, более позднем рукописном сборнике помещено тоже более ста пьес. Добрую половину из них составляют танцы: пассамеццо, сальтарелло, павана, гальярда, французская коррента, польский танец, немецкий танец, просто "Nachtanz" или "Danza", аллеманда. Помимо того ряд пьес с названиями "Маскарад", "Венециана", "Бергамаска", "Фьяменга" носят танцевальный характер. Как видим, происхождение танцев то итальянское, то французское, то немецкое, то польское, то испанское. Над всем этим репертуаром безусловно преобладает пассамеццо (иногда обозначено "Passo mezzo bonissimo", или "Milanese", или "Moderno") - двухдольный или четырехдольный танец "полушажками", неспешный, уже объединявшийся тогда со своим "парным" - сальтарелло (танец "со скачками", быстрый, трехдольный).
Наиболее прославленный в свое время итальянский композитор-лютнист Франческо да Милано (находившийся на службе при дворах герцога Гонзага в Мантуе, затем кардинала Ипполито Медичи) начал публиковать свои произведения с 1536 года и очень быстро приобрел известность как в Италии, так и в других странах.



Теорба Gerard Ter Borch (1617-1681) Приблизительно 1658 г.
К концу XVI века и далее общий стиль лютневой музыки заметно изменяется. В Италии, например, он становится по-своему виртуозным, концертным. Танцы и песни со временем получают более сложную, порой пышную обработку, хотя не утрачивают связи с бытовыми источниками. Лютня в руках композиторов словно стремится исчерпать свои возможности. Среди концертных пьес Дж. А. Терци (1593) встречаются и виртуозно изложенные пассамеццо, и целые танцевальные циклы, как "Ballo Tedesco et Francese".
Винченцо Галилей, отец великого астронома, привлек в 1570-1580-е годы внимание современников своими драматическими песнями под лютню и сыграл в конечном счете немаловажную роль в подготовке монодии с сопровождением, на основе которой возникли первые оперы в Италии.
Блестящий расцвет переживала музыка для виуэлы в Испании XVI века. Между 1535 и 1576 годами там были изданы авторские сборники композиторов-виуэлистов Луиса Милана ("Маэстро", Валенсия, 1535-1536), Луиса де Нарваэс (Вальядолид, 1538), Алонсо Мударры (Севилья, 1546), Энрикеса де Вальдеррабано {Вальядолид, 1547), Диего Писадора (Саламанка, 1552), Мигуэля де Фуэнльяна ("Orphenica lyra", Севилья, 1554), Эстебана Даса (Вальядолид, 1576) и некоторых других мастеров.
толь же значительна творческая фигура Мигуэля де Фуэнльяна, слепого от рождения, виртуоза на виуэле. Он родился в Навалькарнаро близ Мадрида, был в 1562-1569 годы камермузыкантом у маркиза де Тарифы, затем служил при дворе Филиппа II и, наконец, стал придворным музыкантом у Изабеллы Валуа. Его сборник "Орфеева лира" состоит из шести книг и включает 188 произведений. Среди них преобладают обработки чужих вокальных сочинений, много фантазий и всего несколько тьентос. Как будто бы здесь нет ничего нового в смысле жанровых разновидностей: они встречаются и у Милана. Но по существу, Фуэнльяна несколько иначе подходит и к сочинению фантазий, и к обработкам духовных и светских вокальных оригиналов. Фантазии у него более аскетичны, чем у Милана, ибо композитор стремится к выдержанно-полифоническому изложению (двух- и четырехголосно), что, при скромных возможностях виуэлы, сковывает его воображение. В обработках Фуэнльяна опирается на вокальные произведения испанских композиторов К. Моралеса, X. Васкеса, П. и Ф. Гуерреро, а также обращается к музыке Жоскена Депре, А. Вилларта, Ф. Вердело, Н. Гомберта, К. Фесты, Я. Аркадельта, Жаке, Л. Эритье, Лупуса и других. Его привлекают у них и части месс, и мотеты, и мадригалы, и внльянсикос. В своих обработках он зачастую не "перекладывает" эти многоголосные вокальные образцы для виуэлы, а создает варианты их, например, для голоса с виуэлой или для двух голосов. Можно лишь поражаться тому, как слепой музыкант мог таким образом вникать в многоголосную ткань и "преобразовывать" ее по-своему, не имея возможности по многу раз прослушивать оригиналы и не располагая партитурами (они еще не существовали как таковые) - хотя бы для изучения их с помощью друзей или коллег.


Лоренцо Коста. «Концерт» — картина эпохи Возрождения
По масштабам дарования и по связям с различными европейскими странами выделяется во второй половине XVI века значительная творческая фигура Валентина Греффа Бакфарка. Он родился в 1507 году в Брассо (Кронштадт, Зибенбюрген) и был венгром по происхождению (Грефф - фамилия его матери). Годы его обучения музыке прошли, по-видимому, при дворе венгерского короля Яноша, а позднее молодой музыкант находился на службе у него, пока король не умер в 1540 году. Затем, вероятно, Бакфарк побывал во Франции, а с 1549 года стал придворным музыкантом польского короля Сигизмунда Августа II. С 1551 по 1554 год он с одним-из своих меценатов посетил Кенигсберг, Данциг, Вюттенберг, Аугсбург, Лион, был в Париже при дворе, позднее в Риме, Венеции - и вернулся к польскому двору в Вильно. В 1553 году в Лионе был опубликован сборник его пьес для лютни. К тому времени Бакфарк стал уже прославленным "композитором-лютнистом. В 1665 году новый сборник его произведений вышел в Кракове. В 1566-1568 годы Бакфарк работал при дворе императора Максимилиана II в Вене, после чего вернулся на родину в Зибенбюрген. Наконец в 1571 году мы находим его в Италии, в Падуе. Там Бакфарк и скончался от чумы в 1576 году.
В Англии и во Франции музыка для лютни, едва достигнув расцвета, как бы передала, свой опыт клавишным инструментам: вёрджинелю в Англии и клавесину во Франции. Крупнейший английский лютнист Джон Дауленд работал бок о бок с современными ему ранними вёрджинелистами. Лучшие лютнисты Франции, среди них Дени Готье, действовали уже в XVII веке - и их непосредственными наследниками оказались представители первого поколения клавесинистов.

Эпоха формирования наций широко отразилась в музыке и раньше всего в народной песне. Нации еще не вполне сложились, но уже возникал национальный песенный
фольклор — французский и испанский, чешский и польский, сербский и венгерский, немецкий и нидерландский, итальянский и английский, с его характерными темами, жанрами, интонационным строем. Лучшие из этих песен и наигрышей, ярче всего выражавшие своеобразный характер, чувства и думы народа, из местного фольклора постепенно развивались в общенациональный.
Итальянские мадригалы, французские многоголосные песни (шансоны), английские арии и баллады — воспроизводили картины родной природы, деревенского и городского быта; раскрывали сокровенные переживания человека, шаг за шагом освобождающегося от пут старых патриархальных отношений, традиций и предрассудков.
Обновление музыкальной жизни и искусства означало его демократизацию, более широкое и смелое обращение к родникам народно-песенного творчества. Отсюда обильно черпала профессиональная — духовная и светская — музыка.
Обращение к народным истокам, особенно на северо-западе Европы, в Англии и Нидерландах, способствовало все более широкому распространению музыки многоголосного (полифонического) склада. Формировались ее разнообразные жанры: месса, мотет, адригал, многоголосная песня. Победное шествие полифонии отвечало достигнутому уже более высокому уровню мелодического развития.
Музыкальное
Возрождение развивалось не равномерно, «сплошным потоком», а своеобразными «циклами», которые нарастали и убывали, выдвигая вперед то одну, то другую страну Европы.

Жанр, который по самому духу ренессансной эстетики и по устремлениям ее образованнейших представителей должен был стать завершением и высшим цветом Возрождения — опера, как восстановление античного театра,— родилась на свет лишь тогда, когда итальянское
чинквеченто (XVI в.) было уже на исходе, и новоявленная музыкальная
драма должна была испытать на себе воздействие других стилей и художественных идеалов.

Североитальянские города — Флоренция и Болонья, Падуя и Пиза, Перуджия и Римини — создали в музыке свое новое искусство. Замечательные музыканты раннего Возрождения — Иоанн Флорентийский, Гирардело, Франческо Ландино, Пьетро Казелла — оставили множество произведений лирического и лирико-бытового жанра для пения с сопровождением на лютне и других струнных инструментах. Некоторые сочинения их исполнялись и инструментальными ансамблями. Музыка эта отчасти была связана с народными истоками и испытала на себе сильнейшее влияние раннего итальянского гуманизма. Дух Возрождения впервые широко и цельно проявился в чисто светской школе высокопрофессионального искусства — школе, открыто противостоявшей церковной полифонии «старого стиля» и неизмеримо превосходившей «полупрофессиональную» мирскую лирику большинства трубадуров и труверов, этих предшественников музыкального Ренессанса.
Впервые мелодика, более певучая и гибкая, чем у средневековых мастеров, зазвучала в гармонии с итальянским стихом (Петрарки и других поэтов), следуя его образам, метру и ритму. Это были реалистические жанровые картинки на разнообразные темы: охота в горах с фанфарами рогов и перекличкой охотников; прогулка и веселая сцена на рыбной ловле; торговцы на рынке, наперебой зазывающие покупателей.
В центре движения ars nova высоко поднимается фигура Франческо Ландини, богато и разносторонне одаренного художника, который произвел сильнейшее впечатление на передовых современников. Родился Ландини во Фьезоле, близ Флоренции, в 1325 г., в семье живописца. После перенесенной в детстве оспы ослеп навсегда. Он рано начал заниматься музыкой (сначала петь, а затем играть на струнных инструментах и органе) — «чтобы каким-нибудь утешением облегчить ужас вечной ночи». Музыкальное развитие его шло с чудесной быстротой и изумляло окружающих. Он превосходно изучил конструкцию многих инструментов («как если бы видел их очами»), вносил усовершенствования и изобретал новые образцы. С годами Франческо Ландини превзошел всех современных ему итальянских музыкантов. Особенно прославила его игра на органе, за которую он, в присутствии Петрарки, был увенчан лаврами в Венеции в 1364 г. По-видимому, к тому времени Ландини еще не был известен как композитор, а возможно и сочинять начал лишь с середины 1360-х гг. Современные исследователи относят его ранние произведения к 1365—1370 гг. Известно, что во Флоренции Ландини много общался с поэтами, сам сочинял стихи, участвовал как равный в ученых эстетических спорах гуманистов. Скончался Ландини во Флоренции и похоронен в церкви Сан-Лоренцо; на его могильной плите обозначена дата: 2 сентября 1397 г. В течение долгого времени из сочинений Ландини были опубликованы лишь немногие. В наши дни известны 154 композиции.

В XV в. появились новые, демократические вокальные жанры, отвечавшие более широким, открытым, общественным формам музыкальной жизни. Особенно популярна стала фроттола, название которой буквально — «песнь толпы» уже говорит о ее плебейской природе. Композиторы-фроттолисты писали в стиле, близком песенному фольклору итальянских городов. От жанров XIV столетия фроттолы отличались певуче-выразительной мелодикой и ясным мажорным ладом.
Но самым богатым событиями в истории итальянского музыкального искусства считается XVI век, представляющий в это время картину более сложную, чем в любом из предшествующих столетий. Одни направления достигли здесь своей вершины в итоге длительного развития (вокальная полифоническая музыка строгого стиля), другие возникли и интенсивно развивались, порожденные духовной атмосферой именно этого периода (светская музыка в жанре мадригала), третьи незаметно подготавливались накануне нового перелома, наступившего на рубеже XVI—XVII в.в., когда эпоха Высокого Ренессанса закончилась.





Подъем римской школы во главе с Палестриной внешне нельзя не связать с периодом контрреформации. Однако истинная суть искусства Палестрины подтверждает мнение о том, что в нем реализовались важные творческие идеи Ренессанса, получившие, правда, своеобразное воплощение в новых исторических условиях.
Наступление контрреформации сказалось в общем изменении духовной атмосферы, в которой развивалось искусство от середины к концу XVI в. Передовые художники не могли не ощущать гнета католической реакции, преследовавшей «еретиков», действий инквизиции, стеснение прогрессивной мысли, т. е. в корне антиренессансной программы действий, которую приняло и проводило папство. Высшее художественное равновесие, достигнутое в искусстве Высокого Ренессанса, неизбежно пошатнулось и нарушилось.
Джованни Пьерлуиджи да Палестрина родился около 1525 г. и получил свое прозвание по месту рождения (Палестрина, близ Рима). С детства пел в соборе родного города, а с 1534 г. стал певцом капеллы в Риме. С этого момента, практически всю жизнь Палестрина был связан со знаменитыми церквами папской столицы. Эта исконная связь с католическим культом и католическими кругами, глубокая религиозность, свойственная его миросозерцанию, не могла не сказаться на его творчестве. После Тридентского собора за Палестриной закрепилась легенда «спасителя церковной музыки»; одна из его месс, исполненная в доме кардинала, убедила высшее духовенство в том, что полифоническая музыка может не затемнять смысла слов и, следовательно, не нарушать церковного благочестия. До конца дней Палестрина не склонен был изменять образ жизни, хотя многие правители приглашали его к своему двору. Лишь в последние годы, вероятно, утомившись своими обязанностями в Риме, Палестрина захотел вернуться на родину. Но его смерть 2 февраля 1594 г. не позволила осуществить эти намерения.

Творческое наследие Палестрины поражает своими масштабами. Он создал более 100 месс, более 300 мотетов, более 100 мадригалов. В его музыке преобладает настроение сосредоточенно-спокойного, возвышенного созерцания. Творческий расцвет Палестрины был достигнут тогда, когда эпоха Возрождения для других искусств уже уходила в прошлое. Он же составил музыкальную вершину этой культуры, и основную её идею — идею совершенной гармонии человека и мира — воплотил с той идеализированно-обобщающей красотой, какая до него была еще невозможна, а после него — уже невозможна в итальянском хоровом искусстве.
Все его творчество отличается ярко ренессансной трактовкой: интонационной близостью к фольклору и ноэлям, колоритной звукозаписью, возникающими то тут, то там пародийными мотивами.
В то время как итальянское, французское и испанское Возрождение на юге Европы развертывало одну из самых блестящих страниц истории мировой литературы и искусства, на северо-западе континента, в Нидерландах, образовалась в XV в. мощная школа хоровой полифонии. В истории музыкальной культуры своей страны она стала кульминацией. С поразительной быстротой ее ответвления проросли в другие страны. На ее драгоценном опыте училось и росло полифоническое искусство Италии, Франции, Испании, Германии. Она приобрела интернациональное значение. XV—XVI века — период расцвета нидерландской музыки.
Повсюду бродили менестрели, создавшие свои школы в Брюгге и других центрах. В церквах в свободное от служб время происходили концерты органной музыки. Закрытые школы-приюты, так называемые метризы, готовившие с детских лет певцов и органистов-профессионалов, были очагами музыкального образования и теории. Из метриз вышли такие крупные мастера-полифонисты, как Гийом Дюфэ, Жиль Беншуа и другие.

Вершиной же в истории нидерландской школы стало творчество Орландо ди Лассо. Уроженец Фландрии (родился в Монсе, провинция Эно, в 1532 г.), он вырос в Италии и музыкальную карьеру, подобно своим предшественникам, начал певчим. Лассо прожил беспокойную странническую жизнь, типичную для деятелей Ренессанса. Италия и Англия, Франция и Антверпен. Последние 38 лет он провел в Мюнхене в должности капельмейстера при дворе герцога Баварского, где и умер в 1594 г. Это был музыкант гениальный по глубине и мощи своего искусства, огромного диапазона и творческой силы, один из тех, кого называли титанами Возрождения.

Орландо ди Лассо
Композитор О. Лассо дирижирует оркестром
Таким образом, музыкальное искусство эпохи Ренессанса характеризуется не только достижениями национальных и местных (например, римской, венецианской и других) творческих школ, но и близостью (порой даже единством) важных творческих тенденций.





При составлении этого материала использовались:
1. Ливанова Т. Музыка для лютни. Глава из книги "История западноевропейской музыки до 1789 года"
2. Мировая художественная культура: Возрождение/ О.Б. Лисичкина. – М.: АСТ: Астрель, 2005. – 303, [1] с.: ил.
3. Онлайн Энциклопедия «Кругосвет»
4. Чемберлин Эрик. Эпоха Возрождения. Быт, религия, культура/ Перевод с англ. Е.Ф.Левинов.- М.: ЗАО Центрполиграф, 2006. – 239 с
5. http://www.renclassic.ru/Ru/34/666/